música 1930 -

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Cab Calloway (1907-1994)

CANTANTE Y DIRECTOR DE ORQUESTA
GÉNERO: Jazz, Scat
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: RCA

HISTORIA: Cab Calloway nació bajo el nombre Cabell Calloway III en una familia de clase media en Rochester, Nueva York, y fue criado principalmente en Baltimore, Maryland. Su padre, Cabell Calloway II, era abogado, y su madre Martha Eulalia Reed era profesora y pianista de iglesia. Los padres reconocieron el talento musical de su hijo, y recibió clases privadas de canto en 1922. Continuó estudiando música y canto a lo largo de su vida escolar. Aunque sus padres y profesores de canto no aprobaban el jazz, Calloway comenzó a frecuentar y finalmente a interpretar en varios clubes de jazz en Baltimore, donde sus mentores fueron el batería Chick Webb y el pianista Johnny Jones. Tras graduarse de la educación secundaria Cab se unió a su hermana mayor, Blanche, en la realización de un tour de la revista de música afroamericana Plantation Days (Blanche Calloway se transformaría en líder de banda luego que su hermano lo hiciera, y Cab la acreditaría a ella como la inspiración a entrar al negocio del espectáculo). Cuando el tour finalizó en Chicago, Cab decidió permanecer en Chicago junto a su hermana, quien tenía ya una carrera como cantante de jazz en esa ciudad. Sus padres esperaban que Cab se convirtiera en abogado como su padre, por lo que Calloway estudió en Crane College. Su mayor interés, sin embargo, era cantar y trabajar en el espectáculo, por lo que pasó varias noches en elDreamland Cafe y Sunset Cafe, donde participó como baterista, cantante y MC. En el Sunset Cafe conoció y tocó junto a Louis Armstrong quien lo convenció de cantar en el estilo scat.

Llegó a la zona una gira de jazz, y la orquesta de Cab Calloway fue contratada para reemplazar a la de Duke Ellington mientras estuvieran en la gira. Calloway rápidamente adquirió popularidad y la banda se volvió en una de las principales de la gira junto a la de Ellington, Cab y su grupo tocaron a lo largo del país mientras no actuaban en el Cotton Club. Su popularidad creció con las transmisiones radiales de la NBC en el famoso cabaret Cotton Club. Calloway además apareció en el programa de radio de Walter Winchelly en el show de Bing Crosby en el Paramount Theatre. Como resultado de estas apariciones, Calloway, junto a Ellington, rompieron la barrera racial existente en el espectáculo.

En 1931, grabó una de sus canciones más famosas, «Minnie the Moocher». Esa canción, «St. James Infirmary Blues» y «The Old Man Of The Mountain» fueron interpretadas en los cortometrajes animados de Betty Boop Minnie the moocher, Snow White y The Old Man of the Mountain, respectivamente. Gracias a la magia del rotoscopio, Cab no solo aportó con su voz para estos dibujos animados, sino que también sus pasos de baile. Cab se aprovechó de esto haciendo coincidir la fecha de sus conciertos con los estrenos de estos cortometrajes para ganar mayor atención. Debido al éxito de «Minnie the Moocher» fue identificado por su coro, ganando el apodo «The Hi De Ho Man.» En 1943 apareció en la película musical de 20th Century Fox, Stormy Weather. En 1941 Cab Calloway echó a Dizzy Gillespie de su orquesta luego que reaccionara violentamente cuando Calloway fue escupido mientras estaba en el escenario. Acusó erróneamente a Gillespie, quien amenazó a Calloway con un cuchillo. En 1944, fue publicado el The New Cab Calloway’s Hepsters Dictionary: Language of Jive, nueva versión de un libro en el cual Cab tradujo para sus fanáticos algunas frases que probablemente no conocían, por ejemplo, «dar puntapiés al gong» («kicking the gong around») era una referencia a fumar opio.

En los años 50, Calloway trasladó a su familia de Long Island, NY, a Greenburgh, NY para criar a tres de sus cinco hijas. Calloway se volvió muy popular durante este tiempo, apareciendo en varias películas donde requerían de su voz y pasos de baile. En 1952, interpretó a «Spotin’ Life» en una producción de la ópera de George Gershwin Porgy and Bess con William Warfield y Leontyne Price como artistas principales. Otro papel notable fue «Yeller» en The Cincinnati Kid (1965), con Steve McQueen, Ann-Margret y Edward G. Robinson. En 1967 Calloway protagonizó mediante el personaje Horace Vandergelder una nueva versión del musical Hello, Dolly! (aun cuando todavía existía el original) junto a Pearl Bailey. El éxito permitió una versión grabada por RCA. Entre 1973 y 1974 participó en The Pajama Game de Broadway junto a Hal Linden y Barbara McNair.

En 1976 fue lanzada su autobiografía, Of Minnie The Moocher And Me (Crowell). Que incluía su diccionario completo como apéndice. Calloway llamó nuevamente la atención en 1980 cuando apareció en la película The Blues Brothers cantando «Minnie The Moocher», y nuevamente cuando cantó «The Jumpin’ Jive» con el monstruo de dos cabezas en Sesame Street.

(Wikipedia)

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Cab Calloway and his orchestra (1931) (54 tracks)

Cab Calloway and his orchestra (1940)

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CabCallowayOrchestra1931.mp3

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En el año 1980 tendría un papel protagonista en la película Granujas a Todo Ritmo (The blues Brothers, 1980) dirigida por John Landis. En ella interpreta al viejo encargado el orfanato en el que se habían criado Jake (John Belushi) y Elwood (Dan Akroyd).

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Blind Blake (1926?-1934)

GUITARRA
GÉNERO: Country / Blues
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO:  Paramount Records

HISTORIA: Nacido como Arthur Blake en el año 1893 en Florida.
Blind Blake grabó cerca de 80 pistas para la Paramount Records en la década de 1920 y principios de 1930. Fue uno de los guitarristas más reconocidos de su género con una sorprendente diversidad de materiales. Se dice que es el inventor del fingerpicking, es una técnica de guitarra para tocar a la vez ritmo y melodía, no se rasga los acordes , sino que se toca al mismo tiempo las notas en las cuerdas agudas del instrumento». A esta forma de tocar también se le denominó ragtime guitar, por inspirarse en el estilo de los pianistas de ragtime. Además también fue el creador del Estilo Piedmont, recibiendo la denominación de «El Rey de la guitarra ragtime». Blind Blake inspiró a muchos guitarristas entre otros a Reverend Gary Davis, Jorma Kaukonen o Ry Cooder.
Poco se sabe de su vida, lo que nos ha llegado hoy es a través de documentos de la casa discográfica Paramount, en ellas datan su nacimiento alrededor del año 1893 en Jacksonville, Florida aunque se duda si es realmente cierto. Tampoco se sabe con seguridad su verdadero nombre.
Sus primeras grabaciones datan de 1926, pero no se sabe donde tocó antes y como llegó hasta la Paramount. Su primera grabación fue el tema «Early Morning Blues». Terminó de grabar en el año 1932 debido a la quiebra de la Paramount. Se dice que sus últimos temas son menos chispeantes, se habla que en esta época bebía mucho.
Igualmente no se sabe con seguridad el año que murió pero en documentos dicen que fue el 1 de diciembre 1934. Reverend Gary Davis en una entrevista habló que fue por un accidente de tráfico.

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• Seaboard Stomp

• Hookworm Blues

• Early Morning Blues

• That Will Never Happen No More

• He’s In The Jailhouse Now & You Gonna Quit Me Blues

• Diddie Wa Diddie

• Married Man Blues

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• Seaboard Stomp.mp3

• Hookworm Blues.mp3

• Early Morning Blues.mp3

• That Will Never Happen No More.mp3

• He’s In The Jailhouse Now & You Gonna Quit Me Blues.mp3

• Diddie Wa Diddie.mp3

• Married Man Blues.mp3

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Ma Rainey (1904-1939)

VOZ
GÉNERO: Blues
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Paramount Records

HISTORIA: Nacida como Gertrude Pridgett el 26 de abril de 1886, en Columbus, Georgia, hija de unos actores de una compañía de teatro Thomas Pridgett y Ella Allen-Pridgett. Rainey empezó trabajando en la Ópera de Springer en 1900 como cantante y bailarina en el programa de talentos locales. El 2 de febrero de 1904, se casó con William «Pa» Rainey. Pronto formaron pareja de escenario recorriendo el sur del país como «Ma» y «Pa» Rainey. En estos viajes fue donde «Ma» empezó a tomar contacto con el blues, y en 1905 lo metieron en su repertorio.

Su capacidad para captar el estado de ánimo y la esencia de la vida rural de los afroamericanos del sur del país hizo que rápidamente tuviera una multitud de seguidores en todo el Sur. En 1912, cuando ya llevaba varios años sobre las tablas, los Rainey introdujeron a una nueva bailarina, Bessie Smith que llegaría a ser una grandísima cantante de blues. En 1916 se separó de William y creó su propia banda con la que pronto se fue de gira. Durante los siguientes años estuvo con varias bandas trabajando.

Rainey comenzó su andadura con las grabaciones con la Paramount en 1923 (Tres años después de la primera grabación de blues por Mamie Smith). Siendo ya una cantante de teatro famosa en el sur, Rainey entró en la industria de la grabación como un talento con experiencia y estilísticamente madura. Su primera sesión, se editó en Austin y contó con su tema más famoso «Bo-Gorgojo Blues». Ese mismo año también lanzó «Moonshine Blues» con Lovie Austin y «Yonder Comes the Blues» con Louis Armstrong . Durante el resto de la década de 1920, «Ma» se hizo famosa y rica por sus continuas actuaciones y sus grabaciones con diferentes artistas y bandas. Hasta que empezó la década de los 30 y con la Gran Depresión las actuaciones bajaron.

Tras la muerte de su madre y su hermana, Rainey se retiró del negocio de la música en 1935 y se estableció en Columbia. Los siguientes años se dedicó a su etapa de empresaria cuidando los intereses de sus teatros «The Lyric» y «Airdome», así como las actividades de la Iglesia Bautista de la Amistad. Rainey murió en Rome, Georgia, el 22 de diciembre de 1939 por un ataque al corazón. Siempre se la recordará como la primera artista que convirtió el blues rural en canción popular poniendo en moda este género musical durante las tres primeras décadas del siglo 20, en las que fue creciendo en fama y dinero.
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• LISTA DE REPRODUCCIÓN 1

• LISTA DE REPRODUCCIÓN 3

• Slave To the Blues

• Slow Driving Moan

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ANÉCDOTAS:

• Ma Rainey, fue muy bien apodada como «Madre del Blues», no sólo por ser la primera mujer cantante de Blues si no porque también fue la madre, artísticamente hablando, de la grandísima Bessie Smith, una de las mejores del género y que hoy en día se la recuerda por encima de Rainey. Y es que «Ma» estuvo en sus primeros años ya que trabajaron juntas cuando ésta era una adolescente, y aunque no fue su instructora sí parece que hizo las veces de madre en la compañía.

• En el año 2015, la cadena HBO realizó «Bessie», película que narra la vida de Bessie Smith, la llamada «Emperatriz del Blues». En esta película también aparece Ma Rainey interpretada por la actriz Mo’Nique. Queen Latifah se metió en la piel de Bessie.

• La música de Rainey ha servido de inspiración para poetas afroamericanos como Langston Hughes y Sterling Brown, este último la rindió homenaje con el poema «Ma Rainey». Alice Walker se basó en su música como modelo cultural de la condición de la mujer afroamericana cuando escribió la novela, ganadora del Premio Pulitzer, «El color púrpura».

• A diferencia de muchos otros músicos de blues, Rainey ganó una reputación como buena profesional en el escenario como en los negocios. Esto era debido a todo el trabajo realizado con la Paramount. Así se la podía ver en el escenario enfundada en vestidos largos y cubierta de diamantes y oro. Rainey sabía como utilizar al público y siempre que salía al escenario generaba un gran fervor entre ellos.

• Ver documental dedicado a su vida en inglés.

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Jimmy Blythe (1917-1931)

PIANO
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Columbia / Paramount

HISTORIA: Teniendo en cuenta todas las sesiones de grabación que tuvo en Chicago en la década de 1920 (en particular con Johnny Dodds), es sorprendente lo poco que se conoce sobre el misterioso Jimmy Blythe.

Nació el 20 de mayo de 1901 en Keene, Kentucky, dentro de una familia de 11 hermanos de los cuales quedó como el pequeño de los 5 que llegaron a sobrevivir a la infancia. Poco se sabe de estos primeros años. En 1914 se mudó junto a sus hermanos a Lexington, la segunda ciudad más grande del estado. Ahí trabajó en empleos como conserje o jornalero.

Se volvió a trasladar en 1917 junto con una de sus hermanas, esta vez a Chicago, para intentar aprender y triunfar como pianista. Llegó a estudiar con el pianista Clarence Jones.

En Chicago Blythe grabó docenas de rollos de piano a comienzos de los años 20 con la compañía Columbia. En 1924 ficha por la Paramount que comenzaron a editar sus temas, y desde que salió su pieza «Chicago Stomp» ese mismo año fue considerado por algunos como la primera grabación de boogie-woogie de larga duración.

Durante los próximos siete años hizo un par de solos de piano y otros respaldado por artistas como Ma Rainey, Blind Blake y, por supuesto muchas otras veces con su amigo Dodds. También Hizo varios dúos de piano con Burton y Charlie Clark.

Jimmy Blythe murió repentinamente a la edad de 30 años por meningitis. Considerado como un gran solista se le conoce también como un acompañante excelente.
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• LISTA DE REPRODUCCIÓN 1

• LISTA DE REPRODUCCIÓN 2

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• LISTA DE REPRODUCCIÓN 1
• LISTA DE REPRODUCCIÓN 2

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Original Dixieland Jazz Band (1916-1925,1936)

CLARINETE / CORNETA / TROMBÓN / PIANO / BATERÍA
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Columbia Records / Victor Records / Aeolian Vocalion

HISTORIA: La Original Dixieland Jass Band, banda creada por componentes de Nueva Orleans, pionera dentro del jazz y su evolución. A esta banda se le atribuyen las primeras grabaciones de jazz en el año 1917.

En 1916 un promotor de Chicago, tras ver el éxito que estaba teniendo el jazz en la ciudad debido en parte a la Tom Brown´s Band (famosa banda de Jazz de la época) decidió hacerles la competencia y llamó al clarinetista Alcide Nunez y al batería Johnny Stein para crear una formación de músicos que pudiera compartir estos éxitos. El quinteto se cerró con la contratación del cornetista Nick La Rocca, el pianista Henry Ragas y el trombonista Eddie Edwards, todos ellos músicos desde hacía años en otras bandas o en solitario.

Hicieron su debút en el café Schiller´s con el nombre de Stein’s Dixie Jass Band. Después de varios éxitos el grupo se desmarcó del batería Johnny Stein por el descontento de toda la formación debido a la alta diferencia entre él y los demás componentes, no solo porque el grupo llevará su nombre si no porque era el único que tenía contrato como profesional. Además de la baja de Stein al tener problemas La Rocca con Nuñez, el clarinetista también abandono el grupo.

Con los nuevos cambios de Tony Sbarbaro y de Larry Shields como nuevos batería y clarinetista respectivamente nació la Original Dixieland Jass Band (ODJB) y su primer trabajo fue tocar en el Reisenweber’s Cafe de Manhattan.

A comienzos de 1917 aunque otras bandas de Jazz con sonido Nueva Orleans eran ya conocidas en Nueva York y Chicago fueron la ODJB la primera que tuvo un contrato para hacer unas grabaciones para Columbia Records aunque no las publicaron. Sin embargo, pocas semanas después de estas grabaciones hicieron otras con Victor Records que sí llegaron a ver la luz y en marzo de este año salió el primer disco de jazz de la historia. Siguieron grabando para Victor pero alternando con Columbia Records, que ahora sí empezaba a publicar sus creaciones. También grabaron para la compañía Aeolian Vocalion. Todas estas grabaciones cosecharon grandes éxitos en todo el país, y sobre todo, en Nueva York.

En 1918 el trombonista Edwards es reclutado para la I Guerra Mundial y el pianista Ragas muere por la gripe española por lo que son sustituidos por Emile Chrstian y J. Russel Robinson respectivamente.

En 1919 la banda viaja a Londres para intentar acrecentar su fama, allí le espera la aristocracia de la época encabezada por el Rey Jorge V, que en un principio no parecía comprender la música lo cual empezó a incomodar a la banda hasta que éste comenzó reír y disfrutar con el tema «Tiger Rag». Durante la gira Inglesa tocaron por todo el país y volvieron a grabar varios temas nuevos para la franquicia británica de Columbia Records.

En 1920 vuelven a Estados Unidos y deciden meter en algunos de sus temas y actuaciones un saxofonista. Más adelante La Rocca sale del grupo. Fueron años donde empiezan a tener desencuentros entre los componentes del grupo y ya en 1925 se disuelve la formación. Aunque en 1935 fueron invitados a tocar nuevamente para Victor Records, no llegaron a obtener el éxito pretendido y se disolvieron definitivamente.

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– Lista de reproducción 1:

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• Selección de su discografía

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ANÉCDOTAS:

• El cornetista Frank Christian fue en un principio el elegido para la Stein’s Dixie Jass Band pero poco antes de su debut Christian se retiró y Nick LaRocca fue contratado como reemplazo de última hora.

• Después de todo el éxito que cosechó la banda creando una moda por el jazz por todo el país, Stein, líder de la anterior formación intentó crear un nuevo grupo con el pianista Jimmy Durante pero no llegó nunca a tener el éxito de la ODJB
Cierto es que la ODJB no fueron los creadores del jazz, pero al ser los primeros en sacar un disco se dieron a conocer en todo el país empezando por el norte de este, y es que antes se pensaba que esta era música del sur cantada en burdeles.

• La gripe española que acabó con la vida del pianista Henry Ragas fue una epidemia que afectó a todo el globo convirtiéndola en pandemia. Se llamo española porque los primeros casos se dieron entre Francia y España, y como los españolas no estaban involucrados en la I Guerra Mundial no censuraron la información de esta enfermedad y se hizo más eco en este país.

• Robinson además de tocar el piano haría arreglos y compondría piezas para el grupo, y más adelante llegó a trabajar con grandes como Frankie Trumbauer, Eddie Lang, Bessie Smith y Cab Calloway entre otros.
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Jimmie Rodgers (1927-1933)

VOZ / GUITARRA
GÉNERO: Country
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Victor Talking Machine Company

HISTORIA: Nacido en Misisipi el 8 de septiembre de 1897, aunque al morir su madre fue enviado con sus abuelos paternos a Alabama. Ya algo más mayor volvió con su padre a Misisipi a ayudarle en los trabajos en el ferrocarril donde él trabajaba llevando el agua a los demás trabajadores, es aquí donde empezó a venirle el gusto por la música que cantaban estos trabajadores. Después de esto pasó a ser el guardafrenos de la estación del pueblo.

Debido a su tuberculosis tuvo que dejar el oficio en el ferrocarril. En su búsqueda de un nuevo empleo llego a trabajar desde detective a músico callejero, así cuando se enteró que la reciente discográfica Victor Talking Machine Company buscaba nuevos artistas no lo dudo y contactó con ellos. La compañía le dio la oportunidad de concederle una audición el 4 de agosto de 1927 en Tenessee, en esta prueba grabaría las canciones «The Soldier’s Sweetheart» y «Sleep, Baby, Sleep» por las que cobró 100 dólares y al poco pasó a ser contratado.

Llegó a grabar 113 canciones desde 1928 hasta 1933 los únicos años que duró su carrera. Aunque durante estos años le llegó la fama y además de las grabaciones también realizó espectáculos, un corto con Columbia Pictures y varios programas de radio. Su ultimo año se desplazó a Manhattan (Nueva York), y en sus últimas grabaciones estaba tan débil por culpa de su enfermedad que cada vez que paraban en el estudio debía reposar en cama antes de volver a reanudar.

A pesar de los pocos años que estuvo activo se le coronó como uno de los padres del country, creo un nuevo género llamado country field (mezcla entre country y blues) y además junto con la Familia Carter dio a conocer el estilo hillbilly, música folklórica que se cantaba en los montes Apalaches.

Murió en Nueva York el 26 de mayo de 1933 a la edad de 35 años por una hemorragia pulmonar debido a su tuberculosis. Fue uno de los tres primeros en ser inscrito en el Salón de la Fama del Country y su canción «Blue Yodel No. 9» está en el puesto 23 dentro de las «500 canciones que moldearon el Rock and Roll»
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– Lo mejor de Jimmie Rodgers

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• Lo mejor de Jimmie Rodgers (261 Mb)

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ANÉCDOTAS:

• Como guardafrenos de estación, sus labores eran accionar los frenos cuando un tren llegaba a estación para que éste frenase, vigilar que no subieran los polizontes y en abrir y cerrar las puertas mientras el tren aún estaba en movimiento, por eso se ganó el apodo de «el guardafrenos cantante» (The Singing Brakeman).

• El grandísimo músico de jazz Louis Armstrong, cuando apenas contaba con 30 años tuvo la ocasión de grabar con Rodgers la canción «Blue Yodel No. 9». En la que contaron también con la esposa de Armstrong para tocar el piano.

• En 2010 Elton John le rindió homenaje, incluyendo en su nuevo disco «The Union» una canción llamada «Jimmie Rodgers’ Dream».

• Llego a grabar un corto después de su éxito a comienzos de los años 30:

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Marlene Dietrich (1901-1992)

CANTANTE Y ACTRIZ
GÉNERO: Género
PAÍS DE ORIGEN: Alemania
SELLO DISCOGRÁFICO: Decca, Elektrola, EMI, Columbia

HISTORIA: Nacida en Berlín en 1901, ingresa en la escuela de interpretación de Max Reinhardt en 1921, comenzando a actuar en cabaret y con pequeños papeles en películas mudas. Obtiene el papel protagonista en 1930 de El Ángel Azul (dirigida por Josef von Sternberg), la primera película europea sonora. Se dice que fue von Sternberg quien crearía el mito de la diva, pese a las difcultades que Marlene tuvo para aprender inglés. A su llegada a Hollywood rodaría Marruecos (1930) por la que sería candidata al Oscar por primera y única vez. Dietrich cantó en muchas de sus películas, desde El Ángel azul hasta Vencedores y Vencidos (1961), donde suena el Lily Marleen que popularizó en su juventud. Durante la Segunda Guerra Mundial consiguió la nacionalidad estadounidense e incluso viajó a entretener a las tropas en varias ocasiones a frentes de guerra en Argelia, Francia y Alemania.

Desde los años 50 a mediados de los 70, Dietrich realiza exitosas giras de cabaret por todo el mundo (conseguiría un premio Tony en 1968) con llamativas vestimentas, hasta que sufre la fractura de una pierna en 1974, lo que le lleva a la retirada de los escenarios. En 1992 moría en París, habiendo sido la única actriz que fue capaz de hacer sombra a Greta Garbo.

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Lista de reproducción 1 (10 canciones)

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LISTA DE REPRODUCCIÓN 1.mp3 ……………….(10 tracks)

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Escena de El Ángel Azul (1930) con Marlene Dietrich interpretando Falling in love again, la película que la haría famosa en todo el mundo.

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Carlos Gardel (1912-1935)

VOZ
GÉNERO: Tango / Milonga
PAÍS DE ORIGEN: Uruguay / Francia
SELLO DISCOGRÁFICO: Columbia / Odeón / RCA Victor

HISTORIA: Existe cierta controversia en acordar su lugar y fecha de nacimiento. La teoría francesista explica que éste nació en Toulouse (Francia) en 1890, hijo de Marie Berthe Gardes y con el nombre original de Charles Romuald Gardes que más tarde lo castellanizó como Carlos Romualdo Gardel. La teoría uruguayista sitúa su nacimiento en Tacuarembó (Uruguay) entre 1883 y 1887 sosteniendo que Marie Berthe Gardes fue su madre adoptiva y que Charles Romuald Gardes fue un hijo que tuvo Marie Berthe más tarde.

Ambas versiones están de acuerdo que cuando su padre les abandonó sobre 1893 se fueron a vivir a Buenos Aires, pasando una infancia y adolescencia dura debido a la pobreza de la familia que conseguía asilo en los conventos porteños. El barrio donde se situaban estos conventillos estaba muy cerca de la zona de teatros lo que hizo acercarle a este mundo ya que su madre trabajó planchando ropa y él en diversas tareas menores sólo por el pago de la entrada de las funciones.
A comienzos del siglo XX después de varios años entre bambalinas el joven Carlos comienza a ejercer de tramoyista en el Teatro de la Victoria, y en 1902 pasa al teatro de la Ópera. En estos años empieza a conocer a gente destacada del mundo del canto como el zarzuelista Sagi Barba o el barítono Titta Ruffo con los que empieza a aprender a cantar.

En esa época Gardel comienza a frecuentar los bares del barrio del Abasto, y sobre todo el café O’Rondeman regentado por los hermanos Traverso, que también controlaban políticamente el barrio en nombre del conservador Partido Autonomista Nacional. Pronto los hermanos cogen afecto por Gardel y le toman como protegido dándole la oportunidad de cantar en su café.
En la época en la que comenzó a cantar, el canto popular estaba dominado por el arte de la invención de los propios versos a medida que se cantaba (denominado como payada), pero Gardel no tenía esta habilidad, sin embargo debido la calidad de su voz se fue abriendo camino poco a poco. Hecho que le situó como cantante pero no como payador. Años más tarde se juntaría con payadores para cantar sus canciones haciendo a éstos famosos.
En 1913, cuando aún era un desconocido, es contratado por la discográfica Columbia para sacar una serie de discos. Por esa época también solía cantar a duo con José Razzano por los bares de los barrios Abasto y Balvanera Sur, y aunque a veces se les unían otras voces se decantó siempre más en cantar a duo con su amigo Razzano y con él fue con quien empezó a conseguir la fama dentro de Buenos Aires.

En 1914 Gardel y Razzano fueron contratados para cantar en el famoso cabaret Armenonville, cobrando 70 pesos la noche, debido a los orígenes precarios del cantante pensó que esos altos honorarios serían por quincena. Y un año después le volvería a pasar algo parecido cuando un empresario uruguayo les quiso contratar para tocar en Montevideo, éste les preguntó que cuanto querían cobrar y Razzano le dio una cifra muy inferior a lo que tenía previsto el empresario. Sin dudarlo el empresario cerró rápidamente el trato y a continuación les dijo «¡Ustedes no saben lo que valen!». Fue la primera vez que tocaban fuera de Argentina y tuvieron un éxito inesperado, tanto que se dice que Gardel en el camerino rompió a llorar después de la actuación.
En 1917, una vez vencido el leonino contrato con la discográfica Columbia, llega a un acuerdo con la empresa Odeón por la que cobraron alrededor de 8.000 pesos cada uno. En el mismo año Gardel se estrena como actor para la película «Flor de durazno» la cual casi abandona al no comprender su rol en una película muda. Terminó este año grabando su primer tango «Mi noche triste», el cual no tuvo mucha acogida. Algunos lo tacharon de «caricatura de la música y la literatura, de origen bastardo y sucio». Sin embargo al año siguiente, cuando esta canción fue incluida en un sainete la cosa cambió y cuando salió en su nuevo disco fue un éxito.
En los siguientes años fue introduciendo poco a poco más tangos a su repertorio de nuevas creaciones, aunque sin dejar las canciones de ritmos populares. En esa época se nacionalizó argentino al entregar una cedula que decía que nació en Uruguay en 1887.
En 1923 viaja con Razzano a Europa para hacer una gira y mostrarles los tangos argentinos puesto que en Europa aunque eran ya conocidos se distanciaban levemente de las obras de Gardel. Triunfaron por España y luego por Francia hasta que en 1925 debido a una lesión de laringe Razzano abandona la canción para ejercer las funciones empresariales. Después de 6 años de giras entre Sudamérica y Europa, cosechando en Francia un éxito abrumador vuelve en 1929 a Argentina y con gran esfuerzo de Razzano pueden grabar sus dos últimos temas juntos.
Ya en casa decide reconducir su carrera cambiando el medio para llegar a la gente, este sería a través del cine. En 1930 comienza a rodar una serie de cortometrajes, cada uno de ellos basado en uno de sus canciones. En 1931 graba su primer largometraje «Las luces de Buenos Aires» grabado en los estudios que tenía la Paramount en Francia, la película triunfó en el mercado hispanohablante, incluso en sitios donde Gardel no había cantado. A esta película le siguieron en 1932 «Espérame», el corto «La casa es seria» y «Melodía de arrabal», estas dos últimas con Imperio Argentina.
En 1933 de vuelta en Argentina tuvo unos cuantos conciertos por todo el interior del país hasta que le llegó un contrato para dar el salto a Estados Unidos, antes visitaría Europa para hacer una pequeña gira pendiente. El 30 de diciembre debuta para la radio estadounidense NBC. Después de varias actuaciones radiales para la cadena, Gardel dio de nuevo el paso a la pantalla grande para rodar en Nueva York «Cuesta abajo» que le procuró un enorme éxito dentro del país, y por supuesto, en America Latina. Aunque los medios de prensa de Buenos Aires cargaron contra ella por dar una mala imagen de Argentina. A este filme le siguieron «El tango en Broadway», «Cazadores de estrellas» (donde trabajó con las grandes estrellas musicales de la Paramount como Bing Crosby, Richard Tauber o Glenn Miller), «El día que me quieras» y «Tango Bar», la calidad de estas películas fue en aumento en buena parte porque se contrató a un director para las dos últimas que estaba más encaminado en los gustos del cantante y no en los de la productora que quería dar una imagen tópica de los argentinos.

Con las películas y grabaciones musicales Gardel desató una locura nunca vista en la época, similar a la beatlemania que décadas después desencadenó el cuarteto de Liverpool. Con el afán de contentar a sus seguidores Gardel se embarcó en una gira por toda Latinoamérica yendo a las ciudades de países como Puerto Rico, Venezuela o Colombia. Tal expectación hubo que en muchas de las ciudades los cuerpos policiales cargaron debida a la locura de miles de persona queriendo llegar a ver de cerca, incluso abrazar o tocar a la estrella argentina.
El 24 de junio de 1935 Carlos Gardel muere en un accidente de avión en la ciudad de Medellín (Colombia) en mitad de su gira Latinoamericana. Su avión en el momento de despegar se chocó con otro avión de una empresa alemana que estaba esperando para coger pista. Aunque en un principio cada empresa aeronáutica echó la culpa a la otra al final se dictaminó que todo fue provocado por un fuerte viento y por las características de la pista.
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– Gardelero Viejo

-The Best of Carlos Gardel

-Carlos Gardel, 15 originales

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• GardeleroViejo.mp3

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ANÉCDOTAS:

• En 2003 la voz de Gardel fue registrada por la Unesco en el programa Memoria del Mundo, dedicado a la preservación de documentos patrimoniales

• En una noche de diciembre de 1915, Gardel recibió un balazo de unos matones de poca monta llamados Roberto Guevara -el autor del disparo- y Moreno Gallegos Serna. Aunque la noticia se hizo eco al ser el cantante ya famoso las causas de la agresión no quedaron esclarecidas.

• En 1927 cuando no le faltaba dinero en el bolsillo se compró una casa a pocas calles del bar de los Traverso donde comenzó su carrera, y no se olvidó de su madre, quien estuvo a su lado en los peores momentos, y la llevó a vivir con él.

• Cuando comenzó a ser famoso y a verse en fotos y películas empezó a preocuparse por su imagen (1,70 cm y sobre los 100 kilos), así que decidió cambiarla para convertirse en el galán que terminó siendo.

El joven Gardel entrado en kilos.

• Se dice que los cortometrajes de sus canciones que grabó en 1930 pueden ser considerados como los primeros videoclips musicales, además de ser las primeras piezas sonoras del cine argentino.

• En 1933 grabó varios discos difundidos bajo el título de «Gardel canta a Gardel», en los que, utilizando una novedosa tecnología, canta a dúo consigo mismo.

• En Nueva York miles de personas desbordaron el cine en el estreno de «Cuesta abajo» hasta tal punto que tuvieron que colocarse altavoces en la calle para que la gente que no había podido entrar en la sala pudiera escuchar también los temas de la película.

• «Cazadores de estrellas» se estrenó poco después de la muerte de Gardel y por esa razón la Paramount decidió quitar la parte donde aparecía el cantante argentino. Se dice que existe alguna copia sin estos cortes en poder de coleccionistas privados.

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Jelly Roll Morton (1902-1941)

PIANO, VOZ
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: The Victor Talking Machine Company

HISTORIA: Morton nació en una familia criolla de la ciudad de Nueva Orleans, Louisiana. Las fuentes difieren en cuanto a su fecha de nacimiento, van desde septiembre de 1884 a octubre de 1889, aunque él y sus hermanas siempre dijeron que fue el 20 de septiembre de 1885. Su nombre real, Ferdinad Joseph LaMenthe, lo cambio al separarse sus padres para utilizar el nombre de su padrastro, Mouton, aunque lo anglicanizó a Morton.

Desde temprana edad empezó a tocar el piano y ya a los 14 años encontró su primer trabajo tocando en un burdel, por entonces vivía con su beata abuela que cuando se enteró de donde trabajaba le echo de casa al pensar que había deshonrado a la familia.

En 1904 ya empezando a ser conocido empezó a tocar por todo el sur de los Estados Unidos, en esta temporada es cuando compuso sus mejores obras. a partir de 1910 probó suerte en el norte del país y después de tocar en Nueva York se estableció en Chicago con su novia Rosa Brown, aquí tuvo la oportunidad de grabar su «Jerry Roll Blues» que se convertiría en la primera composición de jazz publicada.

En 1917 se trasladó a California acompañado por su amigo el director de orquesta William Manuel Johnson, y la suerte le volvió a sonreír ya que su tango «The Crave» causo furor en Hollywood.

En 1923 vuelve a Chicago para reivindicar la autoría de su obra «The Wolverines» y en 1926 montó la banda de jazz Jelly Roll Morton & His Red Hot Peppers y consiguió un contrato con la discográfica más importante del país, The Victor Talking Machine Company.

En 1928 Morton se casa con la bailarina Mabel Bertrand en Nueva York donde se trasladaría a vivir. Siguió grabando para Victor solo, con el grupo y otras veces acompañado de otros artistas, aunque le cuesta encontrar acompañantes que puedan seguir su estilo musical. Con la Gran Depresión empezó a haber una bajada importante en la Industria y en 1931 Victor no volvió a renovarle. En esta época se gano la vida como buenamente pudo, tocando en bares de Nueva York, apareciendo en un programa de radio, de gira con espectáculos «burlesque» con el grupo.

En 1935 deja la banda y se vuelve a mudar, es a vez su destino será Washington, donde le ofrecen ser el encargado del piano en el bar «Music Box», aunque también desempeñó diferentes funciones desde barman a maestro de ceremonias. Durante los años que estuvo trabajando en el bar Morton conoció a Alan Lomax, musicólogo que trabajaba para la Biblioteca del Congreso. Intresado en Morton le propuso grabar una serie de entrevistas y lo que en un principio sería una corta grabación acabó durando bastantes horas donde se le puede escuchar hablando y tocando el piano. Estas grabaciones han ayudado a situar al pianista en el Olimpo del jazz y en 2005 cuando liberaron las grabaciones éstas consiguieron dos premios Grammy.

Ya en 1938 un amigo del dueño del «music Box» le apuñala y le hiere en cabeza y pecho. Cuando es llevado al hospital más cercano no le atienden al ser un hospital de blancos (por entonces la ciudad tenía instalaciones de segregación racial), así que tienen que ir a uno para negros que estaba bastante más lejos lo que supone un incremento en la gravedad de éstas, ya que irá recayendo los siguientes años hasta su muerte. Después de este incidente su mujer, Mabel, le exige que se vayan de la ciudad.

De nuevo en Nueva York, vuelve a hacer una serie de grabaciones comerciales con temas que narran sus primeros años. Poco después las secuelas del apuñalamiento le mandan al hospital por falta de aire, para recuperarse necesita estar durante 3 meses en el hospital.

Cuando se recupera viaja a los Ángeles con nuevas composiciones y con la intención de montar una banda, pero de nuevo recae de sus heridas y es ingresado en un hospital de la ciudad. El 10 de julio de 1941 Jerry Roll Morton muere pocos días después de su ingreso.

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– Discografía completa:

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• Discografía completa.mp3

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ANECDOTAS:

• Su apodo de Jelly Roll le viene de cuando empezó a tocar en los burdeles. El apodo es jerga negra y hace referencia a los genitales femeninos, ya que en sus letras ,siempre en tono picante, hacía un uso frecuentemente de esta expresión.

• A principios de los años 20 es contratado para tocar en un club de Vancouver llamada «The Patricia», de este periodo se dice que fueron los años más alocados de Morton, al parecer tuvo unos años caóticos donde le dio por jugar a las cartas, tirarse a la bebida y, según el historiador de jazz Mark Miller, hasta llegó a hacerse proxeneta.

• Uno de los acuerdos que llegó a tener con el dueño del «Music Box» fue que los amigos de Morton podrían entrar gratis y ser invitados a las consumiciones, por lo que el bar tuvo siempre un agujero en su caja debido a esto. Así no parece tan extraño que un amigo del dueño le atacara.

• Una de las épocas que más interesó a Lomax de Morton fueron sus años durante los que tocó en los lupanares de Nueva Orleans sus canciones más obscenas. En un principio sólo quería tomar notas pero presionado por el propio Morton finalmente las grabó. Debido a que eran bastante picantes hasta el año 2005 la Biblioteca del Congreso no las liberó.
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Bessie Smith (1894-1937)

VOZ
GÉNERO: Blues
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Columbia, Okeh, Parlophone

HISTORIA: Bessie Smith, más conocida como la Emperatriz del Blues, fue la cantante femenina más importante de su época. Nació en una localidad de Tennessee de lovefcratiano nombre, Chattanoogga el 14 de abril de 1894. Hacia los nueve años empezó a cantar y bailar en la calle por unos centavos. Siendo adolescente, formó parte del espectáculo de Ma Rainey, la que a menudo ha sido señalada como su maestra, aunque este dato ha sido puesto en duda por varios expertos en blues y jazz. No obstante, la versatilidad y talento de Rainey superó rápidamente al de su supuesta mentora, por lo que un día, decidió seguir su propio camino. Empezó a trabajar para el «Theatre Owner´s Booking Agency» conocido por las condicones draconianas con las que trataba a sus artistas (en el caso de Smith su paga era de algo más de dos dolares por semana) No obstante, y a pesar de estas condiciones, sus espectáculos eran memorables lo que la hizo ganar bastante popularidad en el sur de Estados Unidos.

En 1923 el blues empezaba a ser un genero popular debido a las grabaciones en 48 r.p.m y ese mismo año, Smith realizó la grabación que la lanzó al estrellato «Down Hearted Blues». Vendió más de medio millón de ejemplares, lo que hizo que Bessie empezase a grabar y girar de manera regular, esta vez, eso sí, cobrando más de dos mil dolares mensuales, siendo la cantante y actriz negra mejor pagada de su tiempo. Su popularidad, aparte de su indudable talento, se debió a que atenuaba los aspectos más dolorosos y clásicos del blues tradicional con sentido del humor y diferentes metáforas sobre el acto sexual (significativo es el titulo «Need a Little Sugar in My Bowl») Dice Ted Gioia, que esto contribuyó a la condena del blues por numerosos grupos sociales y religiosos de Estados Unidos.

Grabó con los más importantes músicos de su generación, Louis Armstrong, Fletcher Henderson, Chu Berry e incluso Benny Goodman.

Debido a la parálisis que sufrió la industria discográfica en la Gran Depresión, su carrera sufrió un gran retroceso, pero ella siguió tocando en bares y clubs. El 26 de septiembre de 1937 sufrió un terrible accidente de coche mientras se dirigía a un concierto. Al llevarla al hospital, tuvieron que amputarle un brazo. Jamás volvió a recuperar el sentido, muriendo pocas horas después. En 1970 se descubrió la tumba sin nombre donde estaba enterrada, Janis Joplin, que siempre declaró la influencia que había ejercido Smith sobre su música (como Billie Holiday o Mahalia Jackson) pagó el coste de la lapida de su bolsillo.

Ernesto G Almodóvar

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BESSIE SMITH-THE EMPRESS OF BLUES 1

BESSIE SMITH-THE EMPRESS OF BLUES 2

BESSIE SMITH THE EMPRESS OF BLUES 3

BESSIE SMITH THE EMPRESS OF BLUES 4

BESSIE SMITH THE EMPRESS OF BLUES 5

BESSIE SMITH 98 SONGS

BESSIE SMITH 01-10

BESSIE SMITH MP3 AUDIO SONGS

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Cortometraje de 1929, St Louis Blues, donde aparece.

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Blind Boy Fuller (1907-1941)

GUITARRA Y VOZ
GÉNERO: Blues
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: ARC Vocalion, Decca

HISTORIA: Otro bluesman. Otra figura trágica. Blind Boy Fuller nació bajo el nombre de Fulton Allen el 10 de julio de 1907 en Wadesboro (Carolina del Norte) un pequeño pueblo perdido de la mano de Dios que hoy por hoy apenas supera los 3.000 habitantes. No se sabe a ciencia cierta que causó su invidencia: muchos dicen que su madrastra le quemó con ácido-de forma accidental- cuando Fulton era apenas un niño. Otros tantos, dicen que fue su pareja cuando éste tenía 20 años. No obstante, según el investigador Bruce Bastin su ceguera se debió a causas más prosaicas: conjuntivitis y úlceras en los ojos. Como pasa con muchos bluesman de la época, se conocen pocos datos con certeza, mezclándose muchas veces la realidad con la leyenda. Pasara lo que pasara en 1928 estaba completamente ciego.

Cuando era solo un niño aprendió a tocar la guitarra tocando canciones populares enseñadas por musicos de más edad. En un principio, ni siquiera pensó dedicarse a la música pero su ceguera le impidió dedicarse a un trabajo manual por lo que se vio obligado a empezar a tocar en las calles y en fiestas. Poco a poco se convirtió en un guitarrista formidable, siendo un experto en la técnica del «fingerpicking», técnica que consiste en tocar ritmo y melodia a la vez como se suele hacer con el piano.

En 1935 el cazatalentos James Baxter le consiguió una grabación para la discográfica ARC, en ese momento es cuando decidió cambiar de nombre a Blind Boy Fuller. En los años siguientes realizó más de 120 grabaciones para distintos sellos. Su estilo al cantar era duro y directo y sus letras explicitas hablaban sobre la dura vida de los negros desfavorecidos: alcohol, casas de empeños, cárceles… Lejos de todo sentimentalismo. En 1938 Fuller entró en prisión por disparar y herir en una pierna a su mujer, Cora Allen.

Murió en julio de 1941 debido a una complicación en una operación a la que se sometió-probablemente-debido a su excesivo consumo de alcohol. Su popularidad en esos momentos era tanta que su protegido Brownie McGhee grabó un disco llamado «The Death of Blind Boy Fuller» y comenzó una breve carrera bajo el nombre de Blind Boy Fuller II. Está enterrado en el antiguo cementerio de Grove Hill. Hoy por hoy es una propiedad privada y se desconoce el lugar exacto de su sepultura. La ciudad de Durham reconoció al músico con una placa conmemorativa en el año 2001.

Ernesto G Almodóvar

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BLIND BOY FULLER-THE ESSENTIAL

BLIND BOY FULLER-01-202

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Biografía en inglés en musician guide
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Charley Patton (1891-1934)

GUITARRA, VOZ
GÉNERO: Blues
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Paramount Records, Vocalion Records

HISTORIA: Charley Patton fue uno de los primeros artistas de blues conocidos y sin duda el padre del llamado Delta Blues. Nació, un 1 de mayo de 1891 en Hinds County, una localidad del Delta del Misisipi. En el año 1900, Pattón y su familia se trasladaron a la plantación de algodón Dockery (aún abolida la esclavitud, muchos afroamericanos seguían siendo explotados en condiciones pésimas) Allí conocería a Henry Sloan y a Willie Brown músicos de blues de los que aprendería bastante de su estilo y técnica viajando por todo el Delta. Con 19 años, Patton, compondría su primera canción: Pony Blues.

Llegó a ser muy popular en Estados Unidos, siendo contratado en plantaciones, tabernas y bares para interpretar sus canciones. Sus actuaciones eran todo un espectáculo, gritaba, se contorsionaba, se pasaba la guitarra por detrás de la espalda… Su voz, como buen bluesman que se precie, estaba dañada por la mala vida, el alcohol y el tabaco, siendo muy grave y característica. Dicen las leyendas que se podía escuchar a cientos de metros sin que el músico necesitase amplificación. Esta voz grave influiría en la forma de cantar de algunos de sus alumnos como los míticos Howlin Wolf y Big Joe Williams. Sus discos de 78 r.p.m fueron los discos de blues más vendidos de su época. Hoy por hoy es considerado el padre del blues junto con el también legendario Robert Johnson. Murió el 28 de abril de 1934.

Ernesto G Almodovar

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CHARLEY PATTON-THE COLLECTION

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Charley Patton-The Collection.mp3

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Artículo en la revista Jot Down sobre Charley Patton
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Frankie Trumbauer (1901-1956)

SAXOFÓN
GÉNERO: Jazz, Dixieland
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Okeh, Columbia

HISTORIA: De ancestros cherokees, Orie Frank Trumbauer, nació en la pequeña localidad de Carbondale, Illinoise (Estados Unidos) un 30 de mayo de 1901, siendo un niño empezó con sus estudios musicales pero su carrera profesional empezaría mucho más tarde, después de su paso por el ejercito. Era un avezado músico, ya que dominaba la corneta,, el violín, el fagot y la flauta, además del saxofón. Su música podría ser definida como Cool Jazz antes del Cool Jazz, un sonido limpio y cristalino que buscaba la melodía por encima de todo. Sería conocido por las colaboraciones con su amigo Beiderbecke y con Eddie Lang.

En contraste con otros músicos de jazz de vida disoluta, Trumbauer era taciturno y apenas bebía. De hecho abandonó el mundo de la música para dedicrse al mundo de la aeronautica, llegando a pilotar aviones de prueba y entrenando pilotos en la II Guerra Mundial. Murió con 55 años de edad de un ataque al corazón en Kansas (Misouri)

Ernesto G Almodóvar

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FRANKIE TRUMBAUER-THE COLLECTION 1

FRANKIE TRUMBAUER-THE COLLECTION 2

FRANKIE TRUMBAUER ORCH-144 SONGS

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Discografía completa en Discogs
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Gladys Bentley (1907-1960)

VOZ
GÉNERO: Blues, Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Okeh Records, Victor, Excelsior Records

HISTORIA: Gladys Bentley fue una cantante norteamericana nacida en Filadelfia en 1907. Formó parte del renacimiento del arte negro en el barrio de Harlem (Nueva York) un movimiento cultural que englobó jazz, literatura y pintura y a musicos como Duke Ellington y Fletcher Henderson.

Bentley fue una pionera del estilo de vida «queer», reconociendo ser lesbiana desde el inicio de su carrera y vistiendo con trajes de hombre y grandes sombreros de copa. Al final de su carrera («casualmente» durante la epoca de McCarthy y la caza de brujas) renegó de su orientación sexual, declarándose «curada» por la toma de hormonas femeninas. Murió de neumonia en 1960.

Ernesto G Almodovar

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GLADYS BENTLEY 6 SONGS

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Gladys Bentley 6 songs.mp3

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Artículo en inglés en Queer Cultural Center

Actuación en vivo junto con Groucho Marx

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Eddie Lang (1902-1933)

GUITARRA
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Okeh Records

HISTORIA: Eddie Lang, nacido como Salvatore Massaro un 25 de octubre de 1902 en Filadelfia, es conocido por ser uno de los guitarristas de jazz más influyentes de su época, teniendo gran influencia en músicos posteriores como Django Reinhardt. Muy joven empezó a tocar varios instrumentos de manera profesional, entre ellos la guitarra. Tocó con una gran generación de músicos blancos de jazz, Joe Venuti, Adrian Rollini… todos ellos influenciados por la música italiana y la música clásica. Todas estas corrientes mezcladas con el jazz de Nueva Orleans enriquecieron el estilo hasta limites insospechados unos años antes.

Llegó a ser colaborador del popular Bing Crosby, llegando a participar en algunos filmes con el popular músico de Tacoma (Ondas Musicales, 1932). Tras una complicación tras una operación de garganta fallece, con tan sólo treinta años en Nueva York. La causa exacta de su muerte aun es desconocida. Está enterrado en el cementerio de Holy Cross (Pensilvania)

Ernesto G Almodóvar

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EDDIE LANG-JOE VENUTI 1

EDDIE LANG-JOE VENUTI 2

EDDIE LANG- THE ESSENTIAL 1

EDDIE LANG-THE ESSENTIAL 2

EDDIE LANG-76 SONGS

RED MCKENZIE-JOE VENUTI-EDDIE LANG-THERE´LL BE SOME CHANGES MADE

EDDIE LANG ORCH-FREEZE AN´MELT

EDDIE LANG ORCH-MARCH OF THE HOODLUMS

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Web oficial de Eddie Lang (incluye varias partituras)
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Robert Johnson (1929-1938)

GUITARRA, ARMÓNICA
GÉNERO: Blues
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Perfect / Vocalion / Conqueror

HISTORIA: Nació el 8 de mayo de 1911 en Hazlehurst, estado de Misisipi, Estados Unidos. Su madre Julie Ann Majors, hija de esclavos, le tuvo con un jornalero que estaba de paso por el pueblo, se llamaba Noah Johnson. Esto sucedió poco después de su separación con Charles Spencer, un carpintero que gozaba de prosperidad, aunque tiempo después ella regresó con él pero su relación no duró mucho tiempo más después de eso, aunque en total llegaron a tener 10 hijos. Robert Johnson creció con el apellido Spencer, sin saber que Charles no era su padre aunque años más tarde su madre le confesó la verdad, por lo que pasó a adoptar el apellido de su verdadero padre. Una vez se estableció junto a su madre en Robinsonville en 1919, la madre se volvió a casar con Dusty Willis, un hombre 24 años menor que ella. Al pequeño Johnson se le empezó a ver mostrando interés por la música, primero por el arpa y luego por la armónica. En el colegio no mostraba el mismo interés que mostraba con la música y finalmente la deja por un problema de visión, probablemente una excusa para pasar más tiempo haciendo lo que realmente le gustaba.

A comienzos del año 1929, aún sin haber cumplido 18 años contrajo matrimonio con Virginia Travis, un año menor que él. Al poco ella quedó embarazada y murió en el parto junto con su hijo. Johnson se casó por segunda vez con Esther Lockwood, madre de un niño al que Johnson lo adoptó como suyo.

Después de varios años actuando por todo el sur de Estados Unidos sin mucho éxito cambió su suerte y empezó a tener el éxito que no pudo obtener con anterioridad. Algunos pensaban que habría vendido su alma al diablo ya que de un intérprete mediocre se convirtió en todo un virtuso guitarrista. Entre 1936 y 1937 tuvo al fin la oportunidad de triunfar y dejó registradas casi una treintena de legendarias canciones.

Poco pudo disfrutar del éxito ya que el 16 de agosto de 1938 murió al beber un whisky que previamente le habían echado veneno, se dice que fue en mitad de un concierto y que fue provocado por uno de los muchos maridos celosos de cuyas mujeres había tenido relaciones el guitarrista. También se especula que pudo ser neumonía, y otros dicen que sífilis. En cualquier caso no hubo una autopsia que lo pudiera confirmar. Junto con Charley Patton es considerado el padre del Blues.

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• Lista de reproducción 1

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Lista de reproducción 1

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ANÉCDOTAS:

• Es considerado como El Abuelo del Rock and Roll, su voz, y la originalidad y estilo de tocar la guitarra ha influido a una gran gama de músicos incluyendo a John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, The Yardbirds, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Paul Butterfield, Queen, The White Stripes, The Black Keys, The Band, Neil Young, Warren Zevon, Jeff Beck, y Eric Clapton, quien lo llama «El más importante músico de Blues que haya vivido»

• Su influencia ha sido notable dentro de artistas del rock. «Lemon song» de los Led Zeppelin rinde tributo a una de las estrofas de una de sus canciones «Me and the devil blues». Eric Clapton ha dedicado un álbum entero «Me and Mr. Johnson» donde versiona su repertorio de canciones, también el guitarrista británico Peter Green lo ha versionado en un disco llamado «The Robert Johnson Songbook». Los Rolling Stones, Cream, Jimi Hendrix también han versionado alguna de sus canciones.

• El cantautor arrastra una leyenda con él, ésta cuenta que en sus primeros años no destacó por ser un buen músico y que después de morir su primera esposa empezó a vagar por las carreteras siguiendo a los grandes Bluesman hasta que en un cruce vendió su alma al diablo. Desde ese día los que le habían escuchado tocar antes dijeron que algo mágico le había sucedido ya que el mediocre guitarrista se había convertido en un virtuoso de voz y guitarra. Después de esto empezó a llegarle la fama y todos ya conocían su leyenda.

• Su leyenda a perdurado a lo largo de los años y en la gran pantalla se la recordó en «Crossroads», también en la serie de televisión «Supernatural» donde tratan también la leyenda y además se escuchan varias de sus canciones.
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Cole Porter (1891-1964)

PIANO
GÉNERO: Teatro Musical
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: ...

HISTORIA: Nacido en Peru (Indiana) en 1891 en el seno de una familia acomodada bajo el nombre de Cole Albert Porter, éste mostró de forma muy temprana su talento para la música. Con seis años tocaba el violín, componía y tocaba de forma diaria el piano, pero hasta que Cole no estuvo en la famosa universidad de Yale no compondría sus primeros éxitos y saldría de gira con el coro de la misma, el Yale Glee Club. Después pasaría a cursar derecho en Harvard, universidad donde solo estuvo estudiando un año hasta que pasó a estudiar en la escuela de música de la misma universidad.

Después de varios fracasos se iría a estudiar música a París, donde llevaría una vida de playboy viviendo en un apartamento de lujo. Allí conoció a Linda Lee Thomas una rica divorciada, con la que se casaría a pesar de ser homosexual. En 1928 vuelve a Broadway donde, por fin, tendría su primer éxito un musical llamado París. Sus composiciones le hicieron rápidamente conocido. Compuso muchas de ellas pensando en Fred Astaire.

En el año 1937 sufrió un accidente donde se partiría las dos piernas. Durante el resto de su vida sufriría dolores crónicos, como crónica fue su depresión causada por los dolores sufridos y por más de cuarenta operaciones.

Murió en 1964, a la edad de 74 años. Algunas de sus canciones han sido interpretadas por Frank Sinatra, Marilyn Monroe, Ella Fitzgerald o Charlie Parker. En la película de 2011 Midnight in Paris (Woody Allen) aparece siendo interpretado por el actor Yves Heck.

Ernesto G Almodóvar

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COLE PORTER-ANYTHING GOES

SONGS OF COLE PORTER

SOL S. WAGNER-COLE PORTER I´M LOVE AGAIN

COLE PORTER-WHAT IS THING CALLED LOVE

COLE PORTER-OLIVE KLINE OLD FASHIONED GARDEN

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Edith Piaf (1915-1963)

VOZ
GÉNERO: Chanson
PAÍS DE ORIGEN: Francia
SELLO DISCOGRÁFICO: Polydor

HISTORIA: Si nos quisieran mostrar el paradigma de una vida y, sobre todo, de una vida trágica, la vida de Edith Piaf serviría de ejemplo, de crudo ejemplo, para ello. El día de su nacimiento en plena I Guerra Mundial ( un 19 de diciembre de 1915), su padre, en pleno éxtasis etílico abandonó a madre e hija a su fortuna. Esta última ni siquiera consiguió llegar al hospital, naciendo la pequeña Edith debajo de una farola en la céntrica calle parisina de Belleville. Su madre, Anetta, era demasiado pobre como para poder criar a la niña, así que sus primeros años son un continuo vaivén de parientes y casas: primero, será entregada a su abuela materna; la mujer tenía un extraño concepto de la cría de bebés, alimentaría a ésta con vino en vez de leche, creyendo así que los microbios eran eliminados. Imagino que casi elimina a la niña. Después la niña será entregada al (ex) desaparecido padre que al ser reclutado para ir a la guerra deja a la niña con su madre que regentaba un prostíbulo en la Normandía. Es de imaginar que Edith así cumple el sueño de todo niño pequeño: ser criado por prostitutas. Al volver su padre de la guerra, éste la lleva a vivir a vida de los pequeños artistas y la bohemia de la época. Aquí empezaría a mostrar su talento y su magnifica voz que maravillaría al mundo unos años después. A los diecisiete años, en 1933 se enamora de un joven con la que tendría una hija. La niña muere a los dos años. Como vemos, hasta aquí toda una «Vie en Rose»

Tres años después, en 1936, graba su primer disco, siendo este un éxito inmediato pero al morir asesinado el dueño del cabaret donde actuaba y ser relacionado el finado con los bajos fondos parisinos Edith es centro del escándalo y arrojada otra vez a la calle y a actuar en pequeños locales. Su desgracia no duraría mucho, en 1936 debuta como cantante de music hall convirtiéndose en una estrella de la chanson. Su popularidad era tan grande que en 1941 daría su paso al cine. En plena ocupación nazi, ella sería un icono de la resistencia francesa, incluso ayudó a varios prisioneros a escapar de las garras germanas. Por esta época conoce a Yves Montand del que acabaría siendo pareja artística y sentimental. En 1946 su relación acabaría. Ya en 1948 empieza una gira triunfal por Estados Unidos. Allí conocería al amor de su vida, el boxeador francés Marcel Cerdan que moriría en un trágico accidente de avión en 1949. Destrozada, Edith Piaf se haría adicta a la morfina.

Los años posteriores los pasa entre droga y alcohol lo cual haría que su salud se fuera deteriorando rápidamente. El 11 de octubre de 1963 fallece a causa de un cáncer hepático. Tenía 47 años. Miles de admiradores se concentraron en su funeral llegando a paralizar París. Sería enterrada en el cementerio de Pére-Lachaise junto a su padre, su hija y posteriormente con su último marido Theo Sarapo, muerto en 1970.

Hoy por hoy sigue siendo una de las cantantes francesas más conocidas del mundo. En 2007 Marion Cotillard protagonizaría una película sobre su vida. En España se llamaría La Vida en Rosa.

Ernesto G Almodóvar

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EDITH PIAF 1937 Le Disque dór

EDITH PIAF- JE NE REGRETTE RIEN

EDITH PIAF-1935-1947 collection

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Edith Piaf Je Ne Regrette Rien.mp3

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Django Reinhardt (1910-1953)

GUITARRA
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Belgica
SELLO DISCOGRÁFICO: Ultraphone, Decca, HMV

HISTORIA: Django Reinhardt, nacido en Liberchies (Bélgica) un 23 de enero de 1910 como Jean Baptiste Reinhardt , fue uno de los músicos de jazz europeos más influyentes de su época, siendo uno de los primeros artistas en dejar de imitar a los músicos norteamericanos e incluir en sus composiciones influencias propias europeas. Junto con el violinista Stéphane Grappelli fundaría el Quintette du Hot Club de France, uno de los grupos mas influyentes y paradigmáticos de la época.

Criado en Francia, en un campamento gitano, pronto mostraría su inclinación por la música, siendo profesional desde casi niño sin recibir ningún tipo de educación musical (de hecho, nunca sabría escribir, firmando siempre con una X)

Su peculiar estilo tocando la guitarra, se debe a un accidente ocurrido el 26 de octubre de 1928. Un incendio provocado fortuitamente en su caravana casi acaba con su vida y la de su mujer, dañando su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo. Los médicos aconsejaron amputar su pierna pero él se negó de forma rotunda. Al final quedó incapacitado del cuarto y quinto dedo de su mano izquierda, pero gracias a su tesón y a su fuerza de voluntad consiguió inventar un nuevo sistema de tocar la guitarra.

En 1939, empezada la Segunda Guerra Mundial, el grupo que lideraba junto con Grappelli se disolvió, formando Django una nueva banda junto con el clarinetista Hubert Rostaing. Reinhardt no realizó giras fuera de Francia hasta el fin de la guerra pero ya había grabado con grandes estrellas del jazz americanas de gira por el país galo como Coleman Hawkins o Benny Carter. En su primera gira por Estados Unidos giró junto a Duke Ellington-gran admirador de su obra- y tocó, por fin, en grandes salas.

En los años cincuenta, Django Volvió a Europa, falleciendo de un derrame cerebral en 1953 con tan solo 53 años.

Django Reindhart es hoy por hoy reconocido como uno de los más grandes guitarristas que ha dado el jazz en toda su historia, siendo admirado por artistas como Woody Allen, siendo homenajeado por éste en su película de 1999 Acordes y Desacuerdos.

Ernesto G Almódovar

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DJANGO REINHARDT THE COLLECTION 1

DJANGO REINHARDT THE COLLECTION 2

DJANGO REINHARDT THE COLLECTION 3

DJANGO REINHARDT 150 SONGS

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Artículo en Jot Down Magazine
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Dick Justice (1906-1962)

CANTANTE Y GUITARRISTA 
GÉNERO: Blues, Folk, Country
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Brunswick Records

HISTORIA: Procedente de West Virginia y de nombre real Richard Justice, el 20 de Mayo de año 1929 grabó para la discográfica Brunswick Records en Chicago diez canciones. Aunque su anterior oficio fue el de minero del carbón en su tierra natal, Justice se hizo un hueco en la escena country dado que era uno de los escasos músicos blancos que no sólo no renunciaban a sus influencias negras; las rendía tributo a través de versiones de otros bluesman como Luke Jordan (que ya había grabado Cocaine en 1927).

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Cocaine

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Cocaine.mp3

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Discografía de Dick Justice, listado: http://www.wirz.de/music/justifrm.htm

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Helen Kane (1904-1966)

ACTRIZ Y CANTANTE
GÉNERO: Cine musical
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Fleischer Studios

HISTORIA: Nacida en Agosto de 1904 como Helena Clara Schroeder, a los quince años ya era una profesional del espectáculo que giraba con la compañía de los Hermanos Marx en On the Balcony. En 1929 inicia su carrera cinematográfica, en pleno cambio del cine mudo al sonoro. Su aspecto coincidía con el ideal de belleza flapper tan de moda a finales de los años 20, y en 1930 los estudios Fleischer sacan una caricatura de Helen con aspecto de perro caniche en el dibujo animado Dizzy Dishes. Para 1932, Betty Boop ya era un personaje humano basado en Helen. Pero la desgracia no tardó en cernirse sobre nuestra protagonista, ya que pronto Paramount (propietaria de todo) dejó de apoyar su carrera para favorecer la popularidad del dibujo animado. En mayo de 1932, Helen demandó a la Paramount y al productor Max Fleischer por 250.000$ alegando que le habían robado su imagen y su forma de hablar y cantar. Tras dos años de juicios donde declaró incluso Mae Questel, el tribunal falló injustamente en contra de Kane. La moda flapper pasó con la Gran Depresión, y Kane cayó en el olvido, aunque apareció en varios programas de televisión en los años 50 y 60. Moriría en 1966 tras diez años luchando contra el cáncer de mama.

Vampirella

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I´d do anything for you (doble single, 1929)

Helen Kane Collection, 30 canciones

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Mae Questel (1908-1998)

ACTRIZ Y CANTANTE
GÉNERO: Cine musical
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Fleischer Studios

HISTORIA: Nace en Nueva York en 1908 y a los 17 años, en contra de la opinión paterna, se presenta a un concurso de imitadoras de Helen Kane (la actriz que inspiró a Betty Boop), el cual gana. Decidida a dedicar su vida a la interpretación, en 1931 Max Fleischer, productor de la serie de Betty Boop, la contrata prendado de su voz para sustituir a la propia Helen Kane como voz de Betty. Kane acabó demandando a los Fleischer alegando que el personaje estaba plagiado de su propio aspecto, a lo que Fleischer alegó que en realidad el aspecto de la muñeca se basaba en el de Mae Questel (físicamente parecidas, no olvidemos que Mae había ganado un concurso de imitadoras). Kane perdió el pleito y Mae se convertiría en la voz de Betty Boop por los siglos de los siglos, además de dar voz a otros personajes de la factoría Fleischer como Olivia, la novia de Popeye, en más de doscientos episodios de ésta serie.

Vampirella

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Oh my Godness (long version)

Disco The Mistery Girl, Columbia Records (1929)

26 canciones

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Mae Questel, además e la voz de Olivia, fue también la voz de Popeye en 1945, cuando Jack Mercer, el actor que le ponía habitualmente voz, fue reclutado para la Segunda Guerra Mundial.
En los años 60 trabajó como actriz, siendo muy recordado su papel de suegra judía de Mia Farrow en Historias de Nueva York (New York Stories, una película en tres partes dirigidas por Woody Allen, Scorsese y Coppola)

A finales de los 80 Spielberg la reclutó de nuevo para poner por última vez voz a Betty Boop en la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (Who frammed Roger Rabbit, de Robert Zemeckis).

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Shirley Temple (1928-2014)

CANTANTE, BAILARINA Y ACTRIZ
GÉNERO: Infantil, películas musicales, claqué
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
PRODUCTOR: Twenty Century Fox

HISTORIA: Shirley Temple fue la niña prodigio por definición. Se desconoce a qué edad comenzó a hacer películas, ya que la Fox falsificó su certificado de nacimiento. Nacida en California en 1928, en 1933 ya había aparecido en varios cortos y en la serie Baby Burlesks, donde se satirizaba la vida adulta en producciones protagonizadas por niños realizada por Educational Pictures. Tras varios papeles, firma por 20th Century Fox (que aúin no tenía tal nombre, siendo solamente Fox Film Corporation) a finales de 1933. Permanecería en la Fox hasta 1940, siendo la actriz más lucrativa de la compañía, teniendo que revisarse los términos económicos de su contrato varias veces. Fue la actriz más taquillera de América durante cuatro años, pero a los doce descubrió que su certificado de nacimiento había sido alterado y realmente tenía trece años.

Se ganó la admiración del público gracias a sus números musicales, y el favor de sus colegas de oficio por su extrema profesionalidad en los rodajes desde la mas tierna infancia. Era el personaje más popular del país e inspiró muñecas de juguete. En su vida adulta, Temple continuó con una esporádica carrera de actriz y como embajadora de Estados Unidos hasta su muerte en Febrero de 2014.

Vampirella

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The Apple of my Eye

Shirley Temple 21-30

Shirley Temple 41-50

49 canciones de Shirley Temple

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Shirley aparece parodiada en la seire de animación Los Simpsons, en un capítulo especial de halloween en el que Homer es King Kong.

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Lead Belly (1888-1949)

GUITARRISTA, CANTANTE Y COMPOSITOR
GÉNERO: Blues, canción americana
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: John & Alan Lomax, RCA, Capitol Records

HISTORIA: Nacido como Huddie William Ledbetter en Luisiana (1888) este músico americano se hizo conocido como Leadbelly (aunque él lo escribía Lead Belly, tal y como finalmente figuró en su lápida). Musicalmente muy influido por Blind Lemon Jefferson, pasó a la historia por su dominio de la guitarra de doce cuerdas, por la popularidad de sus composiciones (muchas de ellas auténticos clásicos) y por su conflictiva vida personal (estuvo en la cárcel en varias ocasiones y estados). Precisamente allí adquiriría su primera popularidad como intérprete, llegándose a decir que su salida de prisión a los 8 años tras ser condenado a 20 por asesinato fue debida a una actuación en la que Leadbelly emocionó al Gobernador. Seguramente fue el primer músico negro en dar un concierto para blancos. Tras otro paso por prisión entran en escena los hermanos Lomax, folkloristas que lo descubren cuando graban en la prisión. Al salir de la cárcel en el año 34, los Lomax graban con él cientos de piezas hasta 1942. En 1949 hace una gira por francia (algo inédito hasta entonces en artistas de su estilo). Fallece ese mismo año de esclerosis lateral amiotrófica en Nueva York el 6 de diciembre.

Uno de los clásicos más inmortales de la canción americana que constantemente es revisado por todas las generaciones, como ocurriría en 1994 cuando Kurt Cobain grabó con Nirvana el MTV unplugged en el que incluyó Where did you sleep last night? ligando para siempre el nombre de Leadbelly a la cultura del grunge. Anteriormente ya habían usado y abusado de sus clásicos gente como Creedence Clearwater Revival, Led Zeppelin, Van Morrison, ABBA, Clapton o The Animals (aunque House of rising sun es una canción popular, la primera versión grabada es la de Leadbelly).

By Ace Tregunna

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Leadbelly – The Collection I – 38 tracks

Leadbelly – The Midnight Special (1964) 16 tracks

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Canciones para guitarra de Leadbelly en Cifraclub:

http://cifraclub.com/leadbelly/

En el año 1976, Gordon Parks rueda una biografía protagonizada por Roger E. Mosley titulada Leadbelly y que narra su vida de joven hasta su salida de la cárcel a principios de 1934.
Kut Cobain dándolo todo con un tema de Leadbelly

La Creedence de los hermanos Fogerty versioneando a Leadbelly.

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ARTIE SHAW (1910-2004)

CLARINETISTA Y DIRECTOR DE ORQUESTA
GÉNERO: Jazz
PAÍS DE ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: Royale, Epic

HISTORIA: Nacido en Estados Unidos con el nombre de Arthur Arthawsky a principios del Siglo XX, Artie Shaw aprendió durante su niñez a tocar el clarinete y el saxofón, adoptando tempranamente el nombre de Artie Shaw. Después de probar fortuna en la orquesta de Paul Whitman se retiró un año para probar suerte en el campo de la literatura, pero raudo y veloz volvió a abrazar la que sería la disciplina artística que marcaría su vida, la música. Su primer hit, una versión del «Begin the Beguin» de Cole Porter urdida por su propia orquesta le consigue fama, acrecentándose esta por la incorporación de Billie Holliday en las tareas vocales. El único rival que podía hacerles frente en aquella época era el también celebérrimo Benny Goodman. Aún así, Shaw vuelve a abandonar la música y se muda a Mexico. Después de casarse con «Judy», seudónimo de la bella actriz Lana Turner (famosa por sus papeles en «El Cartero siempre llama dos veces» o «Cautivos del Mal»), el músico vuelve con fuerzas renovadas y obtiene numerosos éxitos, pero además también se presta a formar parte del atípico combo The Grammercy Five. Cuando estalla la Segunda Guerra Mundial se alista en la marina y forma otra orquesta más con la intención de levantar la moral de las tropas. En 1944 se licencia y lidera una nueva formación de jazz «puro» a la que le seguirán decenas de orquestas de renombre que afianzarán el género entre el público mayoritario. Hombre de pensamiento progresista que sufrió encontronazos con el senador McCarthy, su oposición a la segregación racial y sus devaneos amorosos, ampliamente publicitados en la prensa más venenosa, además del hastío que le producía la doble moral americana, le llevaron a mudarse a Begur, en Gerona (España) en 1955 hasta que amainase la época de ultra-correción política. A su vuelta dirigió varias orquestas, se convirtió en productor cinematográfico e incluso escribió un reconocido manual para clarinete, su instrumento predilecto y algunas obras literarias. Murió en 2004 en el mismo estado que le vio nacer a la edad de 94 años.

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280 CANCIONES

DADDY G´S BIG BAND COLLECTION

ARTIE SHAW AND HIS ORCHESTRA 1951-1954

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Begin The Beguine

Stardust

Frenesi

Nightmare

Special Delivery Stomp

Concerto for clarinet

Artie Shaw and his Orquestra On The Air, BBC, part 1

Artie Shaw and his Orquestra On The Air, BBC, part 2

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Xavier Cugat (1900-1990)

VIOLINISTA Y DIRECTOR DE ORQUESTA
GÉNERO: Jazz, Música latina
PAÍS DE ORIGEN: España
SELLO DISCOGRÁFICO: Columbia, Mercury, RCA

HISTORIA: Nacido en Girona con el nombre de Francisco de Asís Javier Cugat Mingall de Bru y Deulofeu en 1900, sus padres emigraron a Cuba en 1905, donde aprendió a tocar el violín. Posiblemente el músico español de mayor éxito en Estados Unidos, entre 1915 y 1918 se dedicó a tocar tangos en Nueva York, con una banda llamada Los Gigolos. En 1940 grabó Perfidia con el cantante Miguelito Valdés, que se convertiría en un gran éxito. Acostumbrado a tocar mambo y ritmos afrocubanos, su estela sería pronto seguida por otras orquestas como la de Pérez Prado. Estuvo casado en cinco ocasiones, con artistas como Rita Montaner o la mexicana Carmen Castillo. Con Abbe Lane, de la que se divorció en 1964, actuó durante años. En 1970 se casa con Charo Baeza, y juntos inaguran el casino Caesar Palace en Las Vegas, lo que da una idea de la popularidad del personaje en Estados Unidos. Cugat murió a los 90 años de edad en Barcelona, y fue enterrado en Girona.

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Spring Song

Ruth Fernandez, Benny More, Xavier Cugat Y Roberto Ledesma

Xavier Cugat and his Orchestra (20 tracks)

Waldorf-Astoria Orchestra 78rpm Collection

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Es popular su imagen sujetando un perro chihuahua, algo que hacía frecuentemente mientras dirigía su orquesta.
Era tan conocido que a partir de los años 40 aparece en numerosas películas de la Metro Goldwyn-Mayer, en las que coincidiría con Esther Williams, Jimmy Durante o Ricardo Montalbán.
Su mujer Charo Baeza aparecería en Los Simpsons, imposible olvidarla.

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Glenn Miller (1904-1944)

TROMBÓN / VARIOS INSTRUMENTOS DE VIENTO
GÉNERO: Jazz/Swing
PAÍS DE  ORIGEN: Estados Unidos
SELLO DISCOGRÁFICO: RCA Víctor

Historia: En la historia de la música es muy común que musicos de raza negra creen y desarrollen un estilo musical y luego un blanco, o un grupo de ellos, popularice éste entre el gran publico. Glenn Miller no es una excepción. Los tres grandes nombres de la era Swing, serían Count Basie, de raza negra, Benny Goodman, judio, y el propio Miller. Nacido un 1 de marzo de 1941, en Clarinda, Iowa, Miller empezó a desarrollarse musicalmente pronto, cuando su padre le compró un banjo hasta que empezó a utilizar un corno, su primer instrumento de viento. A la edad de doce años empezó a tocar el trombón y a estudiar las técnica de éste. Debido a su interés por la música, Miller abandonó sus estudios universitarios pasando a la profesionalidad y llegando a compartir escenario con el denominado «Rey del Swing» el anteriormente citado Benny Goodman en la banda del celebre batería Ben Pollack.
En 1927, al llegar la banda a Nueva York, decide dejar la banda para empezar a tocar por su cuenta en clubs hasta casi 1932. En el año 35, el compositor y arreglista britanico Ray Noble le convence para formar una banda, hasta que en 1937 decide crear su propia banda, consiguiendo una gran popularidad con canciones como «Moonlight Serenade», triunfando en todo Estados Unidos gracias a la radio y llegando a ser patrocinado por la marca de cigarrillos «Chesterfield».
En 1937, formó una nueva banda consiguiendo varios nuevos éxitos que le llevarían a sacar varios discos con RCA Víctor siendo varias veces numero 1 en varias listas de música popular.
El rápido ascenso de Glenn Miller estos años sirvió de punto final para una época, creó una música que solo guardaba una relación tangencial con el jazz y el swing. Los solos «hot» que tanta importancia tenían en la música de Goodman, Basie o Ellington nunca fueron importantes en sus composiciones, pero esto era compensado en sus canciones por una habilidad para crear melodías pegadizas que se han quedado grabadas en el cerebro de varias generaciones. Por muchos críticos no es considerado un gran músico de jazz pero sí, un experto en la música popular, donde alcanzó grandes cotas de maestría.

En 1942 se alistó en las Fuerzas Aéreas de los Estados Unidos encargándose de tocar para las fuerzas aliadas desplegadas por Europa. Una vez liberada París le ordenaron girar por varias semanas por algunas ciudades europeas. Así pues, un 15 de diciembre partió del aeródromo de Twinwood (Inglaterra) hacia la capital de Francia para iniciar la gira. El avión se estrelló ese mismo día sobre el Canal de la Mancha. Jamás se encontraron los cadáveres. Su banda siguió tocando sin él hasta el final de la guerra, siendo Miller el único miembro que no sobrevivió a la segunda contienda mundial.
En 1992 se puso una lápida en el Cementerio Nacional de Arlington, lugar destinado solo a los caídos en guerra y a los ex-presidentes de Estados Unidos.
El que su cuerpo nunca fuera encontrado ha hecho que hayan surgido varias teorías sobre su muerte, entre ellas que fue capturado, torturado y ejecutado por la Gestapo para luego ser abandonado en un burdel en París. Probablemente nunca sabremos la verdad.

By Ernesto G Almódovar

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Glenn Miller Orchestra-131-137

Glenn Miller Orchestra -21-30

Glenn Miller Story (101 tracks)

Glenn Miller´s Army Air Force Band (71 tracks)

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En 1953 Anthony Mann rodó una película sobre su vida titulada «The Glenn Miller History» protagonizada por James Stewart.

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